MARIANO RETRO

Tenemos aquí algunas de las obras presentadas:

Mariano Retro es una exposición realizada en Quito la cual reunió a grandes artístas de las artes plásticas ecuatorianas.

En el ex Antiguo Hospital Militar, pudimos observar hermosas obras de los artistas Galo Galecio, Jaime Valencia, Oswaldo Viteri, Germania de Brehil, Araceli Gilbert, Eduardo  Kingman, Gilberto Almeida, Nelson Román, Ramiro Jácome, Carlos Viver, Mariela García, Mariana Fernández de Córdova, Mario Ronquillo, Luigi Stornaiolo y de otros pintores, escultores, grabadores, hombres y mujeres, que a traves del arte han expresado sus sentimientos y lo mas importante nos permitieron apresiarlos.

Este evento tenia muchos fines, uno de ellos era la recopilación de obras de arte pertenecientes a los ganadores del Salón desde 1917 hasta el 2008, las mismas que han sido acopiadas de 4 reservas públicas y varias privadas.

Tambien se buscaba presentar el documento de conceptualización y redefinición de este Premio, que es el más antiguo del Ecuador, con el ánimo de visibilizar el compromiso de apoyo e incentivo por parte del MDMQ a la producción artística contemporánea, fortaleciendo el nombramiento de Quito como Capital Cultural de América.

Esta exposición es considerada como un importante evento en este momento con relación al Bicentenario y a la Capital Americana de la Cultura 2011, porque es una ocasión para hacer una síntesis de todo el arte plástico ecuatoriano del siglo XX y lo que va del XI.
Aquí se demuestra la vitalidad cultural de Quito y sin duda es una de las razones para ser Capital Americana de la Cultura.

Muchos de los artistas usaron sus obras como un mecanismo de denuncia y compromiso social.

 

El Salón Mariano Aguilera tiene una curiosa historia, la menra en que apareció y las razones que lo han mantenido, acontinuación un artículo que detalla la historia y desarrollo de este evento.

Historia del Salón Mariano Aguilera

Un acto de filantropía de un miembro de la Ilustre Municipalidad de Quito, quien en 1917 donó un inmueble para que con el producto de su arrendamiento anual se entregaran tres premios para las tres mejores obras artísticas del año, fue el inicio de este Salón. Han participado los más grandes exponentes de la plástica ecuatoriana.

Esta actitud generosa venía de la mano con la inquietud de un respetable grupo de artistas de la segunda década del siglo XX, que buscaban nuevos caminos para expresar la patria, para pintarla y esculpirla desde otra voz, desde otro rasgo, desde otra perspectiva, alimentada y enriquecida no solamente por la pintura de la época colonial —de extraordinaria mano de obra indígena, mestiza, y modelo europeo–, sino con todo ese universo bullente y singular de los movimientos artísticos de la Europa de fines del XIX y principios del XX, cuya tenaz vocación y audacia para asumir la obra de arte cambiaría para siempre los cánones de la pintura universal.

Apenas en veinte años, de 1917 a 1940, el arte ecuatoriano se estremeció y tomó aliento a propósito de tres acontecimientos importantes. En 1917, el nacimiento del Salón Mariano Aguilera; en 1939, la inauguración del Salón de Mayo del Sindicato de Escritores y Artistas del Ecuador, cuyo secretario fue el recordado periodista Jorge Reyes; finalmente, el 28 de octubre de 1940 se fundó la Galería Caspicara, con Eduardo Kingman como director.

En 1982, sesenta y cinco años después de la creación del Salón Mariano Aguilera, el Municipio de Quito realizó una retrospectiva que permitió admirar la diversa simbología y presencia del arte de nuestro país, ese espíritu contestatario y rebelde, melancólico y dramático, que son rasgos sobresalientes de nuestra identidad y que nos permitieron conocer las obras de extraordinarios artistas como Galo Galecio, Jaime Valencia, Oswaldo Viteri, Germania Paz y Miño, Luigui Stornaiolo, entre otros pintores.

Ahora, en este nuevo proceso histórico que está viviendo nuestro país, a noventa y tres años de que el gran Víctor Mideros recibiera la cantidad de trescientos dieciséis sucres por el Primer Premio del Salón Mariano Aguilera, es preciso enriquecer nuestra memoria, rendir homenaje a los artistas que nos han precedido, abrazar sus colores y sus formas, comprender que el arte alienta la revolución y su historia; y que, definitivamente, la obra de arte se desprende siempre del contexto sociopolítico que al artista le ha tocado vivir, razón por la cual el Municipio del Distrito Metropolitano de Quito se ha planteado la necesidad de redefinir los contenidos de este premio para reposicionarlo en el contexto nacional e internacional.

2 DE NOVIEMBRE "DIA DE LOS DIFUNTOS"

En el Ecuador el dia de los difuntos puede ser vivido de diferentes maneras. Cada ciudad tiene sus propiuas costumbres e incluso rituales.

Esta tradición tiene su orígen en el período prehispánico, aqui  los difuntos ocupaban un lugar importante en las creencias de los grupos humanos, las investigaciones arqueológicas han demostrado que nuestros antepasados creían en el más allá y que establecieron una posible relación entre las personas y los seres del 'otro mundo'.

La iglesia Católica en su afán de guiar hacia la salvación a los fieles, introdujo en el calendario litúrgico un día específico para dedicarlo a rezar por las almas del purgatorio. Este día es el dos de noviembre.

Al norte de Quito en la parroquia de Calderon, el cementerio se convierte en el lugar preferido para visitar a los difuntos.
En las áreas rurales , donde los cambios culturales son más lentos, la gente lleva a la tumba de sus antepasados colada morada, guaguas de pan, cuyes, etc.

Entre los indígenas la celebración es diferente, aunque también consumen la colada morada y las guaguas de pan. La diferencia de la celebración es que los indígenas llevan todos sus alimentos para ingerirlos en el cementerio, justo donde se encuentra enterrado el difunto. Entre los indígenas hay la idea de que la muerte es una transformación, no un desaparecer, por tal motivo ellos llevan comida para comer junto a los difuntos.

En la actualidad se puede ver la tradición de alimentar a los muertos justamente el dos de noviembre, para esta alimentación ritual que hacen a los muertos, los indígenas hacen un orificio en la tierra calculando que este coincida con el lugar donde estaría la boca del muerto, en ese orificio colocan recipientes con los alimentos, colada morada, helados, sodas, pan agua, etc., e incluso llevan la comida preferida de su ser querido.
Aunque este cementerio era pequeño, se ofrecia una misa para todos los creyentes, todos encontraban su lugar en este sitio, la gente extrangera admiraba el ritual indigena, aunq ahora es menos comun, en el  cementerio de Guanujo, se puede ver con mas frecuencia esta tradicion.

TOCAR, MIRAR, SENTIR

Una exposicion dedicada a los no videntes, que nos permite conocer el arte en el mundo a traves de los sentidos, el tacto es la principal herramienta.

Esculturas como la Venus de Milo, El Gladiador Borghense, el Tirador de la Espina o Spinario, Busto del Laocoonte,Busto de Milon de Crotona, La niña de la Conche, el poeta griego desconocido, llamado Seneca, son replicas traidas del museo de Louvre- París; cada escultura cuenta una historia que es asimilada mientras intentamos imaginar la figura con los ojos vendados.

Una Figurina antropomorfas, el Fragmento sooantropomorfo, la Vasija globular antropomorfa, el Vaso antropomorfo, la Botella silvato ornitomorfa, la ocarina antropomorfa, traidas desde el museo de Weilbauer tambien forman parte de la exposicion realizada en la Pontifice Universida Catolica del Ecuador, desde el 28 de octubre hasta el 22 de diciembre y del 2 al 30 de enero.

Resulta interesante escuchar la historia con los ojos vendados, algunas de las imagenes se muestran a continuacion:


















La exposición se enfoca en una experiencia sensorial.
También ofrecen  eventos paralelos como:

1. Dos conferencias por los representantes del Museo del Louvre


2. Dos conferencias por profesionales nacionales, en relación a la propuesta


3. Un conversatorio


4. Talleres infantiles


5. Visitas guiadas y especiales


6. Talleres de modelado para niños y jóvenes (público en general)


7. Talleres pedagógicos

SENTIR PARA VER

Este link ha sido creado de manera oficial por la PUCE, aqui se puede encontrar informacion mucho mas detallada acompañada de imagenes interesantes.
http://www.centroculturalpuce.org/catalogos/catalogo_tocar_mirar_sentir.pdf

Gil de Siloé

Gil de Siloé (los historiadores del arte también le nombran como Gil de Siloe o, simplemente, Gil Siloe), fue un escultor castellano en estilo gótico activo en los últimos años del siglo XV. Hijo suyo fue Diego de Siloé, escultor y arquitecto en estilo renacentista

Vida y estilo

Gil de Siloé es una de las máximas figuras de la escultura hispánica, y europea por extensión, del siglo XV, cuando las formas del gótico postrero, hibridadas por las del arte mudéjar y las influencias flamencas de tipo flamígero, dieron origen al estilo gótico isabelino, exclusivo de España, del que Gil de Siloé es representante emblemático.

Los nombres por los que es conocido evidencian la confusión que rodea su origen. En algunos documentos se le cita como Gil de Emberres (Amberes), por lo que se cree fuera originario de Flandes1 en otros como Gil de Urlianes, por lo que podría venir de Orleans.2 El nombre que habitualmente se repite en los documentos es el de Maestre Gil; sólo en algún momento muy concreto se añade la palabra Siloe,3 y aplicada sobre todo a su hijo Diego.4 Para algunos era Abraham de Nürenberg5 a quien trajo a España Alonso de Cartagena, para otros en cambio provenía del mundo de los conversos. “En definitiva, estamos ante alguien venido de fuera con un bagage de formación nórdica, donde acusa lo flamenco, aunque en parte tampoco le es ajeno lo germano”6 y aún esto es para algunos discutible, pues imaginan podría ser burgales hijo de algún oficial que acompañó a Juan de Colonia cuando se asentó en la ciudad.7

Desconocemos cómo apareció en Burgos, y cómo enlazó con la familia Colonia; si fue por parentesco, por misma nacionalidad ó por afinidad artística. El hecho es que Juan y Simón de Colonia,-los dos grandes arquitectos de las postrimerías del gótico-, y,-el gran imaginero-, Gil de Siloe vivieron unidos en permanente colaboración.8

Su nacimiento puede datarse alrededor de 1440-50 y probablemente no mucho antes.9

Desarrolló su actividad en Castilla y más concretamente en la ciudad de Burgos y sus alrededores. Está documentado entre los años 147010 y 150111 12 fecha probable de su fallecimiento13 en la capital castellana. En este lapso de tiempo pueden distinguirse dos períodos muy diferentes. En el primero, 1470-1486,14 vida y obra aparecen entre brumas en la que apenas se dibujan los contornos; en el segundo, 1486-1501,15 las vemos ya nítidamente dibujadas dirigiendo Gil un gran taller y con una vida acomodada.

Casó con una hija de Pedro de Alcalá,16 con la que tuvo dos hijas y dos hijos,17 uno de los cuales fue el famoso Diego de Siloe,18 artista que destacará fundamentalmente como arquitecto en el Renacimiento.

Su estilo es recargado, decorativista y muy minucioso, dotado de un extraordinario virtuosismo técnico.

Taller

La envergadura y el amplio número de obras encargadas a Siloe en un espacio de tiempo documentado relativamente corto, 1486-1501, -Burgos era una ciudad rica en el último tercio del siglo XV, en ella vivía multitud de mercaderes, comerciantes,etc, con negocios de gran envergadura- así como el nivel de calidad altísimo que mantuvo en la mayoría de las ocasiones, -algunas familias habían adquirido un fuerte poder y hábitos copiados de la aristocracia: encargaban su sepulcro en capilla propia, organizan su casa como una gran residencia, adoptan signos caballerescos, etc- indican la existencia de un taller disciplinado que había asumido perfectamente su manera de hacer.19

El taller de Siloe en Burgos, era un taller en el que había una personalidad creadora reconocida en el medio en el que vivía, que ideaba formas y tenía aprendices y ayudantes que expansionaban su estilo. La obra de arte era considerada como un trabajo al servicio de un funcionalismo religioso ó político. Se trataba de una capacidad técnica, la del escultor, para hacer retablos de grandes dimensiones e imágenes ó sepulcros en cantidades ingentes, que les eran demandados. El retablo, por su aparatosidad, por su dimensión, llamaba la atención del fiel y le ponía en relación con los misterios del dogma allí relatados con una pretensión de realismo.

Con Siloé en Burgos, la idea general, la concepción global, pasó a ser la protagonista del quehacer artístico: había que darla una plasmación mediante relieves, esculturas y pinturas, que quedaban subordinadas a las líneas arquitectónicas y decorativas del conjunto. Gil de Siloe, más que escultor, -que también-, de imágenes o relieves, es autor de un conjunto subordinado a una serie de leyes: dimensiones acordes con el enmarcamiento arquitectónico en que va a ir situado, temas iconográficos, riqueza decorativa y de materiales. El mecenas, en el caso de los retablos, no se interesaba, en general, por el valor estético o por la creatividad de cada escultura ó de cada relieve, sino que lo que le interesaba era el conjunto y que los asuntos reflejados fuesen claros y se ajustasen a los temas convenidos. Esto explica la importancia de la acción del maestro que organizaba todo el trabajo del conjunto: el que ideaba la arquitectura, su decoración y distribuía los espacios para alojar la imaginería.20

 Obra

Cartuja de Miraflores

Sus obras más importantes se encuentran en la Cartuja de Miraflores. El conjunto cartujano, emplazado en la capilla mayor del monasterio, lo integran tres elementos: en el centro del presbiterio, los sepulcros de bultos yacentes, ricamente ataviados, de los reyes castellanos Juan II e Isabel de Portugal, formando ambos un único conjunto de planta estrellada de ocho puntas; adosado al muro del Evangelio, el sepulcro del infante Don Alfonso, y en la cabecera, el retablo principal.

Sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal

Sepulcro de los reyes Juan II e Isabel de Portugal, obra de Gil de Siloé, en la Cartuja de Miraflores.

Los sepulcros reales, facturados en alabastro, que las manos del artista moldea como si estuvieran realizados en cera, reclamaron a Siloé cuatro años de trabajo, entre 1489 y 1493. Fueron un encargo de la reina Isabel la Católica, hija de los monarcas, y en ellos el virtuosismo del autor llega a extremos de difícil superación.

En el encargo de los sepulcros hubo mucho más que la intención de cumplir con un deber real y filial. Por una parte Isabel señalaba con claridad cual era el árbol genealógico correcto de la dinastía, al tiempo que olvidaba de un modo consciente a su hermanastro Enrique IV no querido;24 por otra, en un momento en que la aristocracia construía los más ostentosos recintos funerarios conocidos hasta entonces, pretendía que lo que se hiciera en la Cartuja fuera ejemplar como símbolo de afirmación monarquica.25

Detalle del Sepulcro de los reyes Juan II e Isabel de Portugal. Cartuja de Miraflores.

La forma en planta del monumento funerario es la de una estrella de ocho puntas (intersección de un rombo y un rectángulo); por su gran superficie hubo lugar en ella para diversas imágenes, además de para las yacentes de los reyes.26 Del conjunto sobresale el virtuosismo con que está trabajado el brocado del vestido real.27

Las cuentas del monasterio hablan de que se emplearon 158.252 maravedises en el alabastro (traído de Cogolludo -Guadalajara- y lugares limítrofes) y que el precio del trabajo se elevó hasta 442.667 maravedises (es decir, casi las tres cuartas partes del total).28

Sepulcro del Infante don Alfonso

Sepulcro del Infante don Alfonso, obra de Gil de Siloé, en la Cartuja de Miraflores.

El sepulcro del infante Don Alfonso se trata de un bulto orante bajo arcosolio carpanel con intradós, con caireles calados (por desgracia, diversos destrozos han ido haciendo desaparecer gran parte del cairelado de la izquierda y todo el de la derecha; de haberse conservado se asemejaría a una celosía que dejara el fondo en penumbra) y trasdós conopial, más dos esbeltas pilastras -uno de los lugares elegidos para incorporar la iconografía religiosa- aguzadas en los extremos. La decoración marginal se impone en todo el conjunto; se ha recurrido a lo vegetal,-vid, roble, cardo, bellotas, racimos de uvas, …-, a lo animal, -caracol, conejo, águila, león, lechuza, zorro, ardillas, aves-, y a lo humano en forma de niños desnudos, putti, de tamaños y actitudes variables. ¿Motivos ornamentales ó significativos?.

La superficie limitada entre los dos arcos está cubierta por una profusa ornamentación que acoge, en la parte media superior, un San Miguel guerrero en lucha contra el dragón diabólico por encima del cual aparece un rostro tricéfalo. La estatua del infante don Alfonso arrodillado, en actitud orante, centra la composición. Le precede un reclinatorio cubierto por un riquísimo paño de brocado donde reposa sobre un cojín un libro abierto de oraciones. Dos aspectos llaman poderosamente la atención de los especialistas: la existencia de un brazo y mano envuelto en ropaje en actitud de cambiar las hojas del libro y que tan sólo puede verse desde una posición cenital, y la inclinación del paño que cubre el reclinatorio inclinada de una manera contraria a lo que sería lo normal.29

La iconografía religiosa del sepulcro de don Alfonso destaca por su sencillez y concreción.30 Culmina el sepulcro una solemne Anunciación habitual en los monumentos funerarios de la época; entre María y el Arcangel, el jarrón de azucenas. Los Apóstoles y los Santos podían ser poderosos intercesores a la hora de la muerte y un testimonio de la fe del difunto; aquí los encontramos, dispuestos por parejas, en los pilares de enmarcamiento del sepulcro.

Pere Serra

Pere Serra o Pedro Serra fue un pintor de la Corona de Aragón de estilo italo-gótico, que estuvo activo en Cataluña entre 1357 y 1406.

Biografía

Provenía de una familia de pintores activos en Cataluña en el siglo XIV. También lo fueron sus hermanos Jaume, Francesc y Joan. Cultivaron los hermanos Serra el estilo italo-gótico, de influencia en especial sienesa, como era por otro lado típico del siglo XIV catalán. Realizan figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña.

De los cuatro hermanos, Pere Serra es el más dotado y quien tuvo una más larga carrera. Ingresó en el taller de Ramón Destorrents en 1357. Se interesó más por el colorido que por los conceptos espaciales. Desarrolló trabajo de taller, según se evidencia en la reiteración de los mismos modelos pictóricos.

Pere Serra colaboró con sus hermanos en la realización del retablo del monasterio de Sigena (Huesca), hoy en el Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona.

Obras destacadas

Detall de la predel.la (autor: Lluís Borrassà) del retaule del Sant Esperit de la Seu de Manresa (autor: Pere Serra)

A Pere Serra se le atribuye:

•             Retablo de la Venida del Espíritu Santo o de Pentecostés, para la catedral de Manresa, hacia 1394. Es considerada su obra maestra, de gran riqueza iconográfica. La tabla central del banco es de Luis Borrassá (1411).

•             Retablo de Todos los Santos, en el monasterio de Sant Cugat, 1375.

•             Virgen con 6 ángeles músicos y predela, tablas procedentes de Tortosa, hoy en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Sigue el modelo de la Madonna angelicata.

CHARLES GAUTER DE ROUEN

De nombre Charles Gauter de Rouen, emigró a Barcelona desde Rouen durante la Guerra de los Cien Años. Se convirtió en arquitecto de las catedrales de Barcelona y Lérida, visitando Zaragoza y Sevilla, donde también trabajó en la construcción de la nueva catedral. Formado en el Gótico Internacional, dominaba la decoración de pequeña escala, preciosista y laboriosa.

El haram o sala de oración de la antigua mezquita, en uso como espacio cristiano religioso, definirá el ámbito de la nueva catedral. Tendrá cinco naves, de gran anchura -76 metros en total y 116 de longitud- y altura: 36 metros la central y 26 las laterales, alcanzándose la cota máxima en los 40 metros del crucero, siendo la mayor en superficie hasta la construcción de San Pedro del Vaticano. En las naves laterales se disponen capillas intercaladas entre los contrafuertes. En la actualidad es el mayor templo gótico del mundo y el tercero en dimensiones, sólo superado por la basílica de San Pedro del Vaticano y la catedral de San Pablo de Londres. La cabecera se modificó y la capilla de los Reyes es del siglo XVI. Dentro de las numerosas capillas se encuentran enterrados los reyes Fernando III, Beatriz de Suabia, Alfonso X y Pedro I y personajes ilustres como el cardenal Cervantes y Cristóbal Colón y su hijo Hernando.
En 1928 la catedral sevillana consiguió la catalogación de Monumento Nacional y en 1987 entró en el catálogo del patrimonio de la Humanidad de la UNESCO.

 

JUAN GUAS

ARQUITECTURA GOTICA

Desde su juventud siguió los pasos de su padre Pedro Guas, con el que colaboró en el equipo de Hanequin de Bruselas en la realización de la Puerta de los Leones de Toledo. La mayor parte de su trayectoria profesional se desarrolla en Castilla, coincidiendo con la monarquía de los Reyes Católicos. Destacó por ser el máximo baluarte del estilo isabelino. En los primeros años de la década de los sesenta se instala en Avila, donde realiza la puerta de la catedral y diez años después su nombre aparece vinculado al claustro de la catedral de Segovia, donde detentó el cargo de maestro mayor hasta 1491. En estos años interviene además en el Parral, la Cartuja del Paular y la catedral de Toledo. Pero es en el Palacio del Infantado (1480-1483) en Guadalajara, donde mejor expresa su maestría por su magnífica decoración. Para su ejecución se inspira en el prototipo de palacio señorial que entonces imperaba en Castilla. En este proyecto contó con la ayuda de Enrique Egas. Otra de sus obras cumbres es la iglesia de San Juan de los Reyes en Toledo, donde la sencillez del diseño arquitectónico permite una mayor apreciación de los motivos ornamentales de estilo flamígero y mudéjar. En este edificio, edificado para conmemorar la batalla de Toro, es importante destacar la decoración heráldica ya que en un principio se pensó que podría ser capilla funeraria de los Reyes Católicos. En este proyecto le ayudaron Enrique Egas yEgas Cueman. Cuando falleció ocupaba el cargo de maestro mayor de la catedral y de las obras reales.

Toledo se convierte en uno de los grandes focos de la arquitectura peninsular de la segunda mitad del siglo XV. Para conmemorar el nacimiento del príncipe don Juan y la victoria conseguida en Toro en el año 1476, la reina Isabel funda el convento de San Juan de los Reyes en Toledo. Juan Guas será el encargado de llevar a cabo las obras.

ANDREA PALLADIO

Andrea di Pietro della Góndola (Padua, 1508 - Vicenza, 1580) fue un reconocido arquitecto italiano del Manierismo. Más conocido como Andrea Palladio.

Se le considera un autor del Manierismo y sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en el Neoclasicismo.

BIOGRAFIA

Nace el 30 de noviembre de 1508 en Padua. Empieza su formación como aprendiz a la edad de trece años en el taller del arquitecto y maestro cantero Bartolomeo Cavazza da Sossano.

Conoce al conde Giangiorgio Trissino(1538) , intelectual reconocido de la época, a través del cual Palladio se relaciona con los más notables personajes de la ciudad y gracias a el puede completar su formación.

Recibe el título de Arquitecto(1540). El pseudónimo de Palladio se le debe a su mentor Trissino, quien le bautiza de esta manera, como una derivación de Palas Atenea, la diosa griega protectora de las artes.

A partir de los cuarenta años realiza varias villas señoriales en Vicenza y se adjudica el palacio Thiene. Nombrado arquitecto mayor de la Basílica (1549 - el Palazzo della Ragione de la ciudad) y toma a su cargo la realización de las logias, extiende su práctica a la ciudad de los canales.

En Venecia, Palladio se dedica principalmente a la arquitectura religiosa, mientras que por todo el valle del Véneto aparecen las lujosas residencias para aristócratas vicentinos y venecianos que lo han hecho célebre.

Publica L'Antichità di Roma (1554 ) basado en sus viajes a la ciudad eterna en 1541 y en 1545.

Publica en Venecia el tratado, Los Cuatro Libros de la Arquitectura(1570), un tratado muy influyente que logró codificar el vocabulario de la nueva arquitectura clásica internacional, despues de haber estudiado el tratado humanista de León Batista y del romano Vitrubio

Funda en Vicenza la Academia Olímpica(1556 ).

Sus últimas obras son el Teatro Olímpico y la capilla para la familia Babaro, en Máser (Treviso).

Andrea Palladio muere en Vicenza el 19 de agosto de 1580, a la edad de 71 años.

OBRAS 

Villa Rotonda de Palladio

Situada en la campiña de Vicenza, está la denominada Villa Rotonda que es la más famosa. Fue edificada en el año 1566, en un paisaje ideal, construida como mansión de un funcionario del Vaticano.

Descripcion:

 - Ubicada en la cima de una colina sobre un basamento, quedando los sótanos para las cocinas y la administración.

 - Casa de planta cuadrada 

 - La terraza: a la que se sube por cuatro monumentales escaleras orientadas a cada uno de los puntos cardinales, tiene los dormitorios en los ángulos y en el centro una gran sala circular cubierta con una gran cúpula.

 - Las cuatro escalinatas con sus correspondientes columnatas jónicas, que sostienen sendos frontones triangulares.

 - Decorado con esculturas de Lorenzo Rubini, inspiradas en las fachadas de los templos clásicos, que en este caso serían hexástilas.

 - Vivienda de tratamiento religioso.

 - Se usa una cupula por primera ves en una edificacion no religiosa. 

 - Por primera ves en Occidente la arquitecturea se integra al paisaje

 - La casa tiene volúmenes cúbicos y rigurosa simetría en el exterior y en la estructura de la planta.

 - Además intentando conseguir la misma insolación en toda la casa, rotó la planta cuarenta y cinco grados con respecto a los cuatro puntos cardinales.

 - En la Rotonda existe una armonia entre el paisaje y la proporcion de la obra, con sus cuatro elegantes peristilos jónicos de acceso nos traslada al clasicismo más puro.

 - La altura y la longitud del edificio están delimitadas por un sistema de proporción derivada de Alberti y, en última instancia de Vitrubio.

 - Combinación de cuadrado (la planta) y círculo (cúpula) es característica del Renacimiento, al final se obtiene, gracias a los pórticos, la forma de cruz griega.

 - El conjunto del edificio refleja simetría, perfección, armonía, en definitiva, los parámetros del Renacimiento.

 - Arquitecto importante en Inglaterra y en los Estados Unidos.

 - Por su simplicidad y reposo es considerado referente fundamental en las creaciones arquitectónicas civiles.

BASILICA PALLADIANA

La Basílica Palladiana es un edificio renacentista situada en la Piazza dei Signori en Vicenza al Noreste de Italia, el edificio nació tras dos fases constructivas diferentes. La primera intervencion estubo a cargo de Domenico da Venezia. Construido en el siglo XV y era el Palazzo della Ragione de la ciudad, la sede del gobierno ciudadano y de los tribunales, en el siglo XVI parte del mismo se vino abajo.

 - La planta baja constaba de un pórtico acolumnado; la planta superior contenía una única gran sala. Este núcleo era todavía gótico, con su gran cubierta de carena, y se cubrió con una serie de galerías

 - Palladio plantea: las aperturas de forma circular, los “oculi”, en las enjutas de los arcos, que en Vicenza contribuyeron a darle tridimensionalidad al muro y fueron tomados de Padua.

 - Palladio añadió un nuevo armazón exterior de mármol, una logia y un pórtico que ahora oscurecen en original diseño gótico de la basílica.

 - Palladio practicamente le dedico su vida a la finalización de la basílica la cual no se dio por concluida hasta 1614, treinta y cuatro años después de la muerte del aquitecto.

 - El edificio en la actualidad se utiliza para albergar exhibiciones y otros eventos cívicos en la ciudad de Vicenza.

TEATRO OLIMPICO

 

Palladio nunca había definido ejes compositivos horizontales y verticales con una trama tan diferenciada y densa de elementos en interrelación.

 

El Teatro Olímpico de Vicenza fue diseñado en 1580 por Andrea Palladio para la Academia Olímpica.

Su diseño esta basado en los teatros romanos descritos por Vitruvio: una cavea escalonada en curva, adosada a un gran complejo escénico compuesto por un escenario rectangular y de un majestuoso proscenio, horadado por siete lunetas (que representan las siete vías de Tebas) del decorado permanente, proyectada por Vincenzo Scamazzi.

El esenario:

- Concibió un “scenae frons”, una fachada monumental del fondo del escenario, en madera, que presentaba una extremada complejidad compositiva con tres niveles fuertemente diferenciados entre sí.

 - El nivel inferior se define con el motivo ampliado de un arco de triunfo: a derecha e izquierda del mismo, respectivamente, columnas libres antepuestas a pilastras conforman tres crujías, de las cuales la central está abierta por el vano de una puerta rectangular, mientras que los laterales albergan tabernáculos enmarcados por pilastras menores y un frontón.

 - El centro de este “scenae frons” lo compone, también apoyado sobre columnas libres, un arco de medio punto que se prolonga marcadamente en el nivel intermedio siguiente, de menor altura y, al mismo tiempo, guardando la proporción, de menor relieve plástico.

 - La cornisa que remata este nivel repite, aunque a menor escala y acorde a la reducción de altura del piso, el perfilado del entablamento dispuesto entre dicho nivel y el inferior.

 - El coronamiento superior del conjunto, reducido nuevamente en altura y relieve plástico, consiste en una especie de ático con crujías definidas por pilastras.

Fue la última obra de Palladio y el primer edificio de teatro cubierto con tejado en la historia moderna, además de ser el primer teatro cerrado del mundo.

Situado enfrente del Museo Cívico (Palazzo Chiericati), que alberga un tributo a Tiepolo y a su hijo Giambatista, famosos pintores del Renacimiento.

Una de las cosas que mas destaca es el proscenio, un arco triunfal en honor a Hércules, en cuya parte superior se observa el emblema de la ciudad.

Palladio aportó el sentido real de espacio y perspectiva. La platea central (generalmente destinada a los nobles), ofrece una ilusión óptica con las calles que parecen perderse en la lejanía.

VILLA GODI

Este edificio impacta debido a la falta de ornamentacion que por lo general era asociada con las obras de Palladio, tampoco aparece el típico decorativo quattrocentesca, entre otras cosas impactan las refinadas proporciones la simetría en la fachada y la aglomeracion de masas de la estructura.

 - El plano está organizado con dos apartamentos a cada lado del eje central con una logia de entrada retranqueada y el salón principal. El plano publicado en Los cuatro libros de arquitectura indica que se pretendía que fuera un extenso complejo de edificios de granja.

 - No existe aun inspiracion entre paisaje y arquitectura.

 - El edificio es un bloque macizo que consiste en tres partes separadas. Las zonas figurativas y habitadas están claramente separadas entre sí y no presentan una apariencia unificada. El tramo de escaleras está flanqueado por balaustradas y, en su anchura, se corresponde con la arcada media de la galería.

DECORACION:

 - El interior fue decorado con frescos inicialmente obra de Gualtiero Padovano, y más tarde por Giovanni Battista Zelotti y Battista del Moro en cuya «Sala de las Musas» se ven cariátides dentro de una composición de musas y poetas en paisajes arcádicos.

 - Ruinas de un templo griego forman también el telón de fondo para la representación de los dioses olímpicos. Esto se ve seguido por símbolos de paz y justicia, un tema común en las villas venecianas después de la Guerra de la Liga de Cambrai y el deseo de una nueva Pax Veneziana o gran paz dentro de la República de Venecia.

VILLA BADOER

La Villa Badoer, también llamada «La Badoera», fue construida por el arquitecto Andrea Palladio en Fratta Polesine, valle del río Po (región del Véneto) entre los años 1556 y 1563 bajo el auspicio del «Magnífico Señor Francesco Badoero».

 - Es una de las más armoniosas por su proporción.

 - El edificio, junto con otras villas palladianas, es un monumento Patrimonio de la Humanidad según la Unesco.

Arquitectura del edificio:

 - Construido sobre las bases de un antiguo castillo medieval.

 - De base ligeramente alta.

 - Tiene una gran escalera de entrada, alta e imponente, era requerida entonces para llevar majestuosamente a la puerta delantera de la villa y asegurando respeto por parte del visitante.

 - Por primera vez Palladio usa su basamento de templo plenamente desarrollado en la fachada de una villa

 - La casa está enmarcada por dos alas con arcadas semicirculares o logias curvadas que originariamente albergaban actividades agrícolas, pues era una villa en la que se trabajaba verdaderamente.

 - Las alas no tocan realmente la villa, y quedan ligeramente en frente de ella.

 - Las logias curvadas tenían el efecto de parecer abrazar a los visitantes que llegaban a la casa. 

 - Según Palladio, el interior está ricamente decorado con frescos «inventivos y brillantes», hechos por Giallo Fiorentino. Los críticos arquitectónicos como Witold Rybczynski creen que el interior es bastante pequeño y poco impresionante, en comparación con lo que ellos consideran un exterios grandioso e impresionante.

- El ático es un granero, la planta baja es donde se encuentran las estancias habitables (dormitorios, comedores), y el sótano elevado se usa para almacenaje y para habitaciones de servicio como la cocina.

El plano de Villa Badoer es algo diferente respecto a lo que realmente se construyó allí, no hay pórtico en la parte posterior y la techumbre es diferente.

VILLA EMO

 

La Villa Emo, es una villa del siglo XVI proyectada por Andrea Palladio. Se encuentra en el municipio italiano de Vedelago, cerca de la villa de Fanzolo.

Diseñada por Andrea Palladio en 1559 para la familia Emo de Venecia.

Desde 1996, se ha conservado como parte del Patrimonio de la Humanidad declarado por la Unesco.

El edificio de Villa Emo es la culminación de un duradero esfuerzo de la patricia familia Emo de la República de Venecia de desarrollar sus fincas en Fanzolo. En 1509, que vio la derrota de Venecia en la guerra de la Liga de Cambrai, la finca en la que la villa se iba a construir fue adquirida por Leonardo di Giovanni Emo a la familia Barbarigo.

 Caracteristicas de la Villa:

 - Refleja 20 años de experiencia de Palladio en la arquitectura doméstica.

 - Alabada por las simples relaciones matemáticas expresadas en sus proporciones, tanto en la altura como en las dimensiones de las habitaciones.

 - En 1570, Palladio publica el plano de esta villa, impresionantemente es el unico que verdaderamente sigue las ideas que habia plasmado en el inicio.

La casa:

 - Enmarcada por dos alas con columnas que en origen albergaban actividades agrícolas, pues esta era una villa de trabajo como la Villa Badoer.

 - Los almacenes de grano y las áreas de trabajo pueden alcanzarse a cubierta, lo que era particularmente importante.

 - Las alas laterales del edificio son inusualmente largas, símbolo visible de prosperidad.

 -El cultivo del maíz era aun nuevo y la familia Emo se encargo de introducir el cultivo en la casa, es por esto que Zelotti representa a esta planta que rompe con el tradicional cultivo de mijo.

 - Habia un largo paseo hecho de grandes adoquines cuadrados, que lleva a la parte delantera de la casa.

 - La apariencia exterior  tratada de manera simple,columnas de orden toscano,  cuya estructura está determinada por un ritmo geométrico. Las partes habitables están por encima del nivel del suelo, como todas las otras villas palladianas. En lugar de la habitual escalera que subía hasta la entrada principal, el edificio tiene una amplia rampa con una suave pendiente.

 - El exterior es simple, libre de toda decoración.

 - Por contraste, el interior está ricamente decorado con frescos de Giovanni Battista Zelotti, quien también trabajó en Villa Foscari y otras villas palladianas.

 - Representan a Venus, la diosa del amor. 

 - En la Gran Sala, los acontecimientos en los frescos se concentran en los ideales humanísticos, escenas ejemplares como la Virtud retratada en una escena de la vida de Escipión el Africano, resultaban de la renovada discusión de la depravación de la vida urbana, en contraste con la tranquilidad, la abundancia y la libertad del pensamiento artístico asociado con la existencia rural.

 - Otra habitación en la villa se llama Sala de las Artes, presentando frescos con alegorías de artes individuales, como la astronomía, la poesía o la música.

BASILICA DE SAN GIORGIO

San Giorgio Maggiore es una basílica sobre la pequeña isla de San Giorgio Maggiore, frente a la Piazzetta en Venecia. Forma parte del monasterio homónimo. Ambos fueron construidos por el arquitecto de Vicenza, Andrea Palladio, siendo una de sus obras más destacadas.

 - La iglesia tiene la fachada hacia el Bacino di San Marco.

 - La fachada en forma de templo clásico, con una sola entrada, con cuatro columnas compuestas sobre altos plintos, con un entablamento por encima sosteniendo un tímpano clásico.  

 - El edificio se acabó en 1576, mientras la fachada se completó en 1610 por Vincenzo Scamozzi, treinta años después de la muerte del maestro.

VILLA PIOVENE

Se encuentra en la localidad de Lonedo, en el municipio italiano de Lugo di Vicenza. Forma parte del Patrimonio de la Humanidad declarado por la Unesco.

 - Entre las familias Piovene y Godi se produjo una rivalidad entonces la villa piovene fue construida cercaen competencia con la villa Godi.

 -La planimetría es poco significativa, las ventanas rompen la perspectiva sin un orden en particular, el pronaos se inserta con dureza en el cuerpo del edificio.

 - Seguramente, la villa es fruto de al menos tres campañas de trabajo: los documentos certifican la presencia de una casa señorial más pequeña que la actual ciertamente realizada hacia 1541, la cual fue agrandada en un segundo momento con la inserción del pronaos, que muestra grabada la fecha 1587.

 - La logia que proyecta en el centro - seis columnas jónicas sosteniendo un gablete triangular - fue comenzado por Palladio alrededor de 1570 y completada después de su muerte en 1587.

 - En la primera mitad del siglo XVIII, el arquitecto Francesco Muttoni construye las actuales barchesse (almacenes agrícolas) laterales, arregla el jardín y probablemente realiza la escalera con doble rampa que conduce a la logia. La escenográfica escalinata que da acceso a la villa fue, no obstante, realizada algunos años antes, con la bella verja del 1703.

  -
Actualmente, la villa se contempla contra el fondo pintoresco de un jardín, que se creó en el siglo XIX, situado en la llanura del río Astico. En 1996 la Unesco incluyó el edificio dentro del lugar Patrimonio de la Humanidad «La ciudad de Vicenza y las villas palladianas del Véneto».

 VILLAS VALMARANA

 La Villa Valmarana, también conocida como Villa Valmarana Bressan, es una villa del siglo XVI relacionada con el arquitecto Andrea Palladio. Se encuentra en la localidad de Vigardolo, en el municipio italiano de Monticello Conde Otto (Vicenza).

 - El edificio se atribuye a Andrea Palladio basándose en un dibujo de la villa que es indudablemente del gran arquitecto.

 - La construcción se realizó en los años 1540, lo que hace de ella una de las obras autónomas más antiguas de Palladio.

 - Fue proyectada en 1542. La villa de pequeño tamaño fue encargada por dos primos de la familia Valmarana, Giuseppe y Antonio, en las tierras heredadas en común en Vigardolo, pocos kilómetros al norte de Vicenza.

 - El trazado de las habitaciones sugiere que proporcionaría alojamiento a dos familias nucleares, organizadas en dos apartamentos autónomos y simétricos, accesibles desde el salón posterior en lugar de la logia frontal en común de los dos primos.

  -
En 1996 la Unesco incluyó al edificio en el Lugar Patrimonio de la Humanidad «La ciudad de Vicenza y las villas palladianas del Véneto».

Descripción Arquitectónica

  - Fresco en la sala central

  -  Las diferencias entre el diseño y el edificio realizado pueden expliucarse con la dificultad surgida en fase de construcción: en la villa falta el alto basamento donde disponer los ambientes de servicio semienterrados (irrealizable por la presencia de numerosos cursos de agua) y el frontón interrumpido, apareciendo un mezzanino o entreplanta; el techo de la logia es plano en lugar de con bóveda.

  - Fragmentos de decoración mural testimonian que que la villa estaba en origen completamente decorada; algunos de los frescos son del siglo XVI.

 -
En la villa están presentes de hecho elementos propios de la tradición constructiva vicentina, como la disposición de las habitaciones, que recuerda a la villa Trissino en Cricoli, y en particular aquellos laterales ligados por precisas relaciones de proporción (2:3:5, y precisamente 12, 18 y 30 pies vicentinos).

  -
Junto a ellas conviven las sugerencias formales derivadas de las grandes estructuras termales antiguas, conocidas por Palladio en su primer viaje a Roma de 1541, bien reconocibles en la logia, en las estructuras abovedadas de las habitaciones y en la serliana utilizada como filtro frente al ambiente exterior.

VILLA THIENE 

 La Villa Thiene es una villa del siglo XVI relacionada con el arquitecto Andrea Palladio. Se encuentra en el municipio italiano de Quinto Vicentino. 

 El edificio tal como actualmente se le conoce fue sólo en parte diseñado por Palladio. A pesar de ello, desde 1996, la villa se conserva como parte de «La ciudad de Vicenza y las villas palladianas del Véneto», lugar Patrimonio de la Humanidad.

 - Obra en ladrillo externo ha sido desnudado del estuco que originalmente lo cubriría. Hay también muchos agujeros realizados en tiempos de guerra, para extraer el metal usado en la construcción de la villa.  

 - Actual fachada posterior: hay detalles palladianos, probablemente basándose en un proyecto de Giulio Romano. Fue un encargo de Marcantonio y Adriano Thiene.

  -
En 1614 Íñigo Jones documenta en su copia de Los cuatro libros de arquitectura el estado inacabado del edificio, al que faltaba la bóveda de la logia. Fue remodelada de manera importante por Francesco Muttoni en los años anteriores a 1740, quien le dio al edificio su aspecto actual. Conservando los apartamentos ejecutados, eliminó la gran logia y creó una nueva fachada principal hacia el sur. Así que lo que debían ser los flancos se convierten en las fachadas actuales, con una rotación de noventa grados.

 - En las dos habitaciones de la izquierda permanecieron los frescos realizaados por Giovanni Demio en los primeros años cincuenta.

  -
La actual fachada era probablemente la prevista para una de las alas agrícolas de la villa, donde Palladio planeaba graneros, bodegas y establos.

  -
La fachada del jardín de Villa Thiene puede atribuirse a Muttoni. Tanto la ventana termal en el gablete de remate y los portales en la parte central son desagradables. Estos elementos no pueden reconciliarse con el idioma formal de Palladio.

  -
La fachada da al río Tesina, y se situaba en el centro de dos grandes explotaciones agrícolas de los Thiene.

 - Una versión de la villa está ilustrada y debatida en Los cuatro libros de arquitectura publicación del arquitecto.

 - Palladio diseñó un imponente patio que nunca se acabó. El proyecto preveía una solución bien distinta a la de las otras villas palladianas: la construcción está dominada por una gran logia con bóveda de cañón, más alta que el resto del edificio, mientras que el exterior se articula con lesenas dóricas, redobladas en los lados cortos. La estructura se ejecutó con ladrillos -originalmente cubiertos de estuco, pero en la actualidad a la vista- con un uso limitado de piedra blanca en las bases, los capiteles, los alféizares de las ventanas y en los ángulos de la cornisa y del tímpano. El resto de las partes destacadas se ejecutó en terracota. La sala está en mitad de la villa, y las grandes habitaciones están abovedadas.

 

PATIOS COLONIALES QUITO-ECUADOR

LOS AUTORES Y SUS OBRAS

Miguel Alvear (Quito, 1964)

Miguel Alvear. Nació en Quito en 1964. Es artista visual, cineasta y promotor cultural.

Ha trabajado como curador asociado e investigador en MAAC (Guayaquil, 2002-04) y en CEAC (Quito, 1999). Fue director de proyectos y miembro del comité editorial en la Fundación Cultural Ochoymedio (2002-2007). En el 2009 publicó el libro Ecuador bajo tierra, sobre videografías marginales en Ecuador (Ecuador Bajo Tierra) y dirigió el festival del mismo nombre. Actualmente es programador del festival de cine Cero Latitud, de Ecuador.

Su trabajo artístico ha sido exhibido recientemente en Cine a contracorriente (Centre de cultura contemporánea de Barcelona, 2010); Changing the focus in Latin American Photography (MOLAA, California, 2010); Pasado imperfecto (Lugar a dudas, Cali, 2010); Visionarios: cine experimental en América Latina (muestra itinerante, 2009-10); Festival de cine latinoamericano de Sydney (2009); Festival de cine latinoamericano de Sao Paulo (2009); Latin American Flm Festival (American Film Institute, Wash. D.C., 2009); Bienal de La Habana (2006); entre otros.

Su obra: Patios Casa Villacrés Miranda “Patio de los Pecadores”

Esta es un fotografía de El Niño Dios original, de donde se tomó su forma para realizar las diferentes réplicas.

Descripción de la obra

La intervención de Alvear ha integrado en forma activa a los inquilinos del patio, creando una interfaz entre arte contemporáneo, artesanía y cultura popular. A la vez, ha roto el orden del paisaje del Centro Histórico con la magnificación de una imagen propia de la estética del lugar.

El patio de los pecadores
Intervención específica con inflable y actividades con los artesanos del lugar, 2010

El artista ha diseñado un gigantesco inflable con la imagen de El Niño Dios, un ícono de la religiosidad popular. El inflable fue bendecido por un sacerdote, siguiendo los ritos tradicionales. Funcionará como una atracción publicitaria para los artesanos que prestan sus servicios en el patio, que fue bautizado por ellos con el nombre que da título a la obra. También se “clonaron” (un procedimiento de reproducción exacta de pinturas que practica otro de los artesanos) las obras más valiosas de cinco artistas ecuatorianos vivos, las que se pusieron en venta, etc.

Comentario

Esta obra se encuentra en un sitio reducido, rodeado de pequeñas piezas con un mismo sentido, la figura de El Divino Niño llama la atención a sus visitantes por su exótica presentación, que rompe totalmente modelos pasados, al conocer la intención del autor todo queda más claro y es que este  lugar se ha encontrado siempre en el centro histórico, pero pocos conocen a quienes laboran en su interior. El autor quiteño destaca a estos expertos en la fabricación de esculturas y fotografías, a través de esta enorme figura que parecería no ser la verdadera obra.

La figura de El Divino Niño está siendo usada como apoyo para la verdadera obra, echa por los mismo artesanos que siempre han laborado ahí, después de sentirnos atraídos por la “escultura inflable” la mirada desciende hacia las paredes y es aquí cuando empezará el espectáculo, cumpliéndose así el objetivo del autor, que es resaltar el trabajo que estas personas ha realizado por muchos años, después de analizar la  decoración alrededor del patio es inevitable querer conocer el resto de talleres y a los artesanos  que ahí se encuentran, esperando ser recordados y visitados por su sacrificada labor.

MAGDALENA ATRIA
No te veré morir  

Vive y trabaja en Santiago de Chile. Estudió en la Universidad Católica de Chile y en Parsons School of Design, Nueva York. Muestras individuales en Santiago: Sala Gasco (2009), Galería Gabriela Mistral (bipersonal, 2004), Galería Animal (2004) y Galería Bech (2000); en Nueva York en la Galería George Billis (1999 y 2001). Exposiciones colectivas principales: MOCA, Los Ángeles (2007); VI Bienal del Mercosur, Porto Alegre (2007); Chateau de Tours (2007); Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago (2006); Museo de Arte Contemporáneo,

Museo Casa de Sucre. Construida en 1812, se restauró en 1977. Fue vivienda del mariscal José Antonio de Sucre, quien residió en ella después de su matrimonio con Mariana Carcelén, marquesa de Solanda.

Su obra: Intervención específica con plastilina, 2010

Descripción de la obra

Museo Casa de Sucre. Construida en 1812, se restauró en 1977. Fue vivienda del mariscal José Antonio de Sucre, quien residió en ella después de su matrimonio con Mariana Carcelén, marquesa de Solanda.

La artista se ha inspirado en la muerte de la única hija de Sucre, quien a la edad de dos años cayó desde el balcón de esta casa. Cuando ocurrió esta tragedia el mariscal ya había fallecido, por lo que quedó sin descendencia. Atria usa metafóricamente el carácter vulnerable y perecedero de la plastilina –que la artista trabaja con gran oficio en forma abstracta— para pintar con ella una gran mancha que cae desde el segundo piso, pasando por el balcón, como una alusión y estatización del hecho. De este modo la tragedia se transforma en imagen y la imagen en desplazamiento artístico de las formas y contenidos historicistas tradicionales del Museo

Comentario

La artista Chilena plasma aquí uno de las acontecimientos más tristes en la historia de Sucre, a pesar de que él ya había muerto. El uso de la plastilina identifica lo sensible y frágil de los segundos que tardó el cuerpo de su hija en llegar a la tierra, construye un camino insinuando la altura que descendió antes de morir. El uso de colores ha sido clave en la intención de la obra realizada por Magdalena Atria, quien mezcla tonos para formar una alucinante trayectoria conjugada con la historia de este museo, parecería darle un significado a cada color, desde que inicia la caída hasta que termina. El rosado, por ejemplo, refleja la inocente espera del inevitable momento, pasa a una tonalidad roja, que seria el momento de desenfrenada impotencia y la acumulación de sangre en ciertas partes de cuerpo, el púrpura el momento de shock que llega al verde, el camino natural a otro mundo y finalmente el azul celeste que indica que ha llegado a las puertas de cielo.

Pablo Cardoso (Cuenca, 1965)

Nació en Cuenca en 1965, donde vive y trabaja. Ha participado en las Bienales de: Venecia (2007); Sao Paulo (2004); Gwangju (2004); la Habana (1991); Cuenca (1989, 1996, 2001). Ha exhibido en The (S) Files 007 y El Museo del Barrio, Nueva York (2007). En  2007 obtuvo la beca CIFO Comissions Program (Mid-Career) y en 2005 obtuvo la beca Pollock-Krassner.

Su obra: Patio Casa Carrasco Oña

Descripción de la obra

El poeta francés Henri Michaux vivió y escribió en esta casa durante un viaje a Ecuador. Cardoso ha reproducido en el suelo de los patios algunos de sus versos, y ha hecho correr el agua por los desagües de modo que caiga sobre ellos, diluyéndolos en su materialidad por el choque del líquido. De este modo ha tomado una memoria poética de la casa y la ha unido al carácter de intemperie, de humedad y frescor propios del patio desde tiempos de Roma. La intervención es también una obra de deleite sonoro, que desarrolla el murmullo de las fuentes típico de los patios, en la tradición árabe. Y es también una experiencia casi mágica, que parece activar los misterios domésticos del lugar.

Comentario

En la entrada de este patio el primer atractivo es la glorieta que cuenta una historia tradicional del centro histórico, el poeta Henri Michaux, después de su llegada a Ecuador relaciona el bello paisaje asi como el lado cruel de la historia Ecuatoriana, en la primera area de la casa encontramos la frase “ Para entrar en esta ciudad, primero tuvimos que pagar el tributo del rostro”. Que hace referencia al momento en el que cambia la imagen de este pequeño país cuando se conoce por sus asombrosos paisajes, también tiene un doble sentido cuando la viveza de las personas ecuatorianas despierta cuando miran una persona extranjera y asumen que el costo de cualquier cosa debe ser maximizado, es algo conocido como “a precio de turista”.

Mona Hatoum (Londres/París, 1952)

Nació en el seno de una familia palestina en Beirut en 1952. Vive y trabaja en Londres y Berlín. Algunas de sus muestras individuales: Fondazione Querini Stampalia, Venecia (2009); Museum of Contemporary Art, Sydney (2005); Magasin 3, Estocolmo (2004); Hamburger Kunsthalle (2005); Kunstmuseum Bonn (2005); Tate Britain, Londres (2000); Centre Pompidou, París (1994). Entre sus exposiciones colectivas: Cuadrienal de Arte Contemporáneo, Copenhague (2008); Tercera Trienal de Auckland (2007); Bienal de Sydney (2006); Documenta XI, Kassel (2002); Bienal de Venecia (1995 y 2005); Turner Prize (1995); Bienal de Estambul (1995).

Su obra: Patio Museo Miguel de Santiago, Convento de San Agustín

Descripción de la obra

Hanging Garden (Jardín colgante)
Instalación. Sacos de yute, tierra y hierba, 2008 – 2010

A lo largo de su carrera ha creado obras de apariencia simple para activar comentarios agudos y sobrecogedores acerca de la opresión, la violencia, el control y otros temas candentes. Su trabajo mezcla las esferas pública y privada y las dimensiones social y subjetiva, haciéndonos tomar conciencia de la intrincada red de relaciones de poder en que se desenvuelven nuestras vidas. Sus instalaciones y esculturas dislocan las funciones originales de objetos cotidianos de modo a la vez poético y perturbador, descubriendo la violencia subyacente. En su obra aquí ocurre el proceso contrario: de la barricada militar –que interrumpe el acceso a un patio emblemático en la historia de Ecuador— brota la hierba, la vida en vez de la muerte, deviniendo un jardín colgante.

Comentario

Acorde a la intención del autor, se manifiestan diferentes criterios por la sencillez del aspecto de la obra y por los multiples razonamientos que esta inspira. Esta artista pone en primer plano la guerra simbolizado con los costales que hacen las veces de muralla de protección, del otro lado encontramos un hermoso paisaje que parecería estar bloqueado por los costales, aquí su autor expresa lo que las personas en la guerra perderan por continuar la violencia, dejarían de ver tantos paisajes y se perderían lo hermoso de la vida, otro análisis de esta obra se centra a la reencarnación, la vida después de la muerte simulada con las hiervas encerradas pero aun brotando a pesar de su clausura. Podría dar una idea de una segunda oportunidad para que en la vida futura fabriquemos un paraíso que esté a nuestro alcance.

CRISTINA LUCAS
Alicia de Quito.

Nació en Jaén en 1973. Vive y trabaja entre Madrid y París. Estudió en la Universidad Complutense de Madrid e hizo un máster en la Universidad de California Irvine. Fue residente en la Rijksakademie, Amsterdam. Algunas de sus muestras individuales: Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid (2009); Stedelijk Museum, Holanda (2008). Tiene obra en las colecciones de: Centre Georges Pompidou, París; Kiasma, Helsinki, y MUSAC, León. Entre sus muestras colectivas: X Bienal de La Habana (2009); XXVIII Bienal de São Paulo (2008); Centro Cultural Monte Hermoso, Vitoria (2008); X Bienal de Estambul (2007).

La Ronda es una callejuela que da nombre a una zona ubicada al sur de la Plaza Grande. Fue usada como ruta prehispánica para descender a la Ullaguanga Yacu, o quebrada de Jerusalén, donde ahora está la Avenida 24 de Mayo

Su obra: Casa de las Artes La Ronda

Descripción de la obra

La obra retoma un pasaje de Alicia en el país de las maravillas, el libro de Lewis Carrol, en el que la protagonista crece hasta no caber en la habitación, y saca un brazo por una ventana. La artista lleva a un espacio real la inquietante fantasía de Carrol, en una obra que alude además al enclaustramiento de la mujer en el edén doméstico del patio. Es una imagen seductora, poderosa y con muchas reverberaciones locales: Alicia atrapada en La Ronda.

Comentario

Por lo acogedor y pequeño del sitio, la obra esta representando el conocido cuento de Alicia en el país de las maravillas, debido a lo colonial de la Ronda, lo clásico y además lo doméstico, llega de manera imponente este brazo que crece y sale de la ventana. La ronda es una calle pequeña que ha sido restaurada hace poco tiempo, esta tiene un gran atractivo turístico por la historia que guarda cada casa y cada negocio, a pesar de existir muchas construcciones a lo largo de esta pequeña calle, estas son de reducido espacio, después de conocer una de las casas por dentro cambia la idea que refleja por fuera, ya que por dentro el espacio se amplia sin explicación. Las mujeres que aquí laboran son el claro ejemplo del fin de una era, en la que la mujer se limitaba a cuidar la familia.

RUBENS  MANO
Cosecha

Rubens Mano. Nació en São Paulo en 1960, donde vive y trabaja. Ha tenido recientemente muestras individuales en la Galería Casa Triángulo y la Pinacoteca del Estado, ambas en São Paulo. Algunas de sus exposiciones colectivas: XXV y XXVIII Bienales de São Paulo (2002 y 2008); Bienal de Sydney (2004); in Site, Tijuana/San Diego (2005).

Horario: martes, miércoles y domingo de 09:00 a 18:00, jueves , viernes y sábado de 09:00 a 22:00

El Patio del Museo Municipal Alberto Mena Caamaño fue el Cuartel Real. El edificio presumiblemente  se construyó entre 1650 y 1767, formó parte de las instalaciones de la Compañía de Jesús. Al ser expulsados los jesuitas, sus bienes quedaron bajo la Administración de Temporalidades.

Su obra: Patio del Museo Municipal Alberto Mena Caamaño

Descripción de la obra

Intervención: arena, picota, macetas, árboles y plantas, 2010

El artista trabaja con los lugares y los espacios mismos, mediante intervenciones que a menudo, como en este caso, re-utilizan y desplazan elementos existentes en el sitio. Articula así una práctica que hace de la institución misma que la acoge su material de trabajo, proponiendo nuevas estrategias para usar y explicar el lugar. En este patio de gran importancia histórica Mano ha eliminado la jardinería alrededor de la picota que allí se exhibe, resaltándola, y ha trasladado las plantas a otro cantero, que queda sobrepoblado de vegetación. Se transforma así la percepción establecida de un lugar “inmóvil”, provocando una mirada nueva sobre el patio y sus cargas emblemáticas.

Comentario

Aquí se simboliza la unión que pudo existir entre las personas, la armonía habría impedido que tanta sangre se derrama de manera injusta y exagerada, esto es lo que el autor simboliza en el patio que esta junto a las plantas que fueron traídas de todo el país y fueron puestas en un mismo lugar, el patio del frente tiene piedras rosadas y posa aquí la picota donde se llevaron a cabo los peores sacrificios de la historia. El mensaje es claro para todo el mundo quienes deben empezar a controlar la ira para entrar en el dialogo y solucionar las cosas sin necesidad de sacrificar personas.

LARISA MARANGONI

Nació en Guayaquil en 1967, donde vive y trabaja. Máster en salud pública, Universidad Católica, Guayaquil (2009), máster en Bellas Artes, grado en escultura, Syracuse University (1993). Exposiciones  individuales: Yo sí me he mirado, FLACSO, Quito (2008); Mi espacio vacío, Universidad Católica de Guayaquil (2006); Jardín cerrado con alcoba al fondo, Galería DPM, Guayaquil (2005); Armas de Guerra, Centro Cultural Metropolitano, Quito (2002). Exposiciones colectivas: Mishqui Public, la no invitación a misa de réquiem, Plaza de San Francisco, Quito (2008); Arquetipos, MAAC, Guayaquil  (2008); Universal Wall, Suiza (2007); Espacios Mínimos, Alianza Francesa, Quito (2007); Lo que las imágenes quieren, Fundación ICO, Madrid (2007)

Su obra: Patio Cadisan, Secretaría General de Coordinación Territorial y Participación.

Descripción    de        la         obra

    
El elemento principal de este patio es una magnolia patrimonial. Incorporándola en su obra enfrentada a un espejo que la refleja como un árbol talado, la artista comenta la desaparición de las magnolias en Quito y, en general, la deforestación de las ciudades contemporáneas. Su espectacular alegato ecológico nos introduce metafórica y visualmente en el problema: al otro lado del espejo, un texto reflectante captura nuestra imagen y parece responsabilizarnos a todos con un problema global que a todos afecta e involucra.

Comentario

Larisa plasma una idea que relaciona lo natural que nos rodea, es precisamente en este patio donde se encuentra un conjunto de plantas, junto a todo esto un pequeño texto que nos hace reflexionar sobre la conservación del medio ambiente, después de haber nombrado patrimonio nacional a un árbol éste ha sido protegido por el nombre que se le ha dado, pero ¿es necesario que un árbol sea nombrado patrimonio para que no sea maltratado?, el espejo sobre el que ha sido montada la obra nos refleja ahí mismo para darnos cuenta de quienes son los protagonistas del cuidado o la destrucción del medio ambiente.

PRISCILLA MONGE
El patio de los milagros

Nació en 1968 en San José, Costa Rica, donde vive y trabaja. Entre sus muestras individuales: Museo de Arte Costarricense, San José (2002); Museo Rufino Tamayo, México DF (2000); Museum Van Heddedaagse Kunst, Gante (1997). Algunas de sus exposiciones colectivas: Nuit Blanche, París (2009); Liverpool Biennial International (2006); Bienal de Sevilla (2004); PS1, Nueva York (2003); XLIX Bienal de Venecia (2001); Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2001); XXIV Bienal de São Paulo (1998); VI Bienal de La Habana (1997); Bienal de Valparaíso (1994).

Horario: martes a domingo de 10:00 a 18:00

La Casa del Higo fue construida a fines del siglo XVIII e inicios del XIX, y pertenece hoy a la familia Recalde Mora. Se distingue por la higuera patrimonial en su patio, un árbol que era característico de los patios coloniales y republicanos en Quito.

Su obra: Patio Casa del Higo

Descripción de la obra

Una creencia popular afirma que el higo favorece la fertilidad, pero si se toma en exceso funciona como abortivo. La artista se ha inspirado en esta contradicción del fruto, que contiene una frontera entre la vida y la muerte, y en otra creencia popular sobre una banca en el Convento de Santa Catalina de Siena, que brinda fertilidad a quien en ella se sienta. Monge ha construido dos bancas enfrentadas junto a la higuera patrimonial que da nombre al patio: una con un texto alusivo a la vida, otra con uno que refiere a la muerte. Siguiendo su interés artístico en los problemas femeninos y la violencia en la vida cotidiana, ha propuesto aquí una nueva leyenda: quien se siente en la banca de la vida quedará embarazada, quien en la otra, abortará.

Comentario

En este patio se desarrollo una historia que tiene como personaje principal el árbol de higos que crece ya desde hace muchos años, el higo era usado para que las mujeres sean fértiles, pero se decía también que cuando se excedían tomando el agua de higo este resultaba ser abortivo, entonces se construyen dos bancas que tienen intensiones opuestas, la primera seria para concebir, y la segunda para abortar, aquí se relacionan los dos conceptos y la decoración en el árbol hace referencia a lo complicado de cada situación. El color amarillo refleja el sol o la iluminación que aparece al momento en que se concibe.

JORGE PERIANES

Nació en Ourense en 1974. Reside en Vigo y Berlín. Tiene una licenciatura y estudios de doctorado en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. Entre sus muestras individuales: Galería Ad Hoc Vigo, Pontevedra (2009); Fundación Eugenio Granell, Espazo In Situ, Santiago de Compostela (2009); Galería Fúcares, Sala de Proyectos, Madrid (2006). Algunas exposiciones colectivas: Centro Cultural Caixanova, Pontevedra (2009); MARCO, Vigo (2008); Hot Art Fair Basel (2008); Sala Alcalá 31, Madrid (2008). Premios y Becas de Arte Caja Madrid y Santander (2005). Tiene obra en las colecciones de MUSAC, León; CGAC, Santiago de Compostela, y Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, Madrid.

Su obra: Patio de la Biblioteca Centro Cultural Metropolitano

Descripción de la obra

Los patios son pedazos de naturaleza viva metidos dentro de las casas. La gigantesca telaraña hecha por el artista hiperboliza la presencia, a menudo inadvertida, de esos otros “inquilinos” que habitan los patios. La espectacularidad de la obra transforma un lugar público y sorprende a quienes lo transitan, cambiando la rutina establecida por un choque estético, dejándolos con preguntas, misterios y fantasías. Esta telaraña no nos atrapa por su invisibilidad, según ocurre a los insectos con las telarañas reales, sino por su exceso de visibilidad, por su exuberancia enigmática.

Comentario

En este patio el autor piensa en la naturaleza que no merece ser modificada por la mano del hombre, lo natural es siempre lo esencial para existe una unión y armonía entre la gente, la telaraña hecha para unir dos grandes árboles, simbolizando asi la conservación del medio ambiente, sin querer perjudicar el paisaje esta telaraña expresa la gran importancia que tiene la naturaleza.

JAVIER TÉLLEZ


Intervención: banderas con textos glosolálicos de Antonin Artaud , 2010

Nació en Valencia, Venezuela en 1969. Actualmente se encuentra en una residencia para artistas en Berlín. Muestras individuales: Galería de Arte Govett-Brewster, New Plymouth (2009); Baselland Kunsthaus, Muttenz, Basilea (2009); Figge von Rosen Galerie, Colonia (2009); Museo de Arte de Joliette (2009); Museo Carrillo Gil, México DF (2004). Exposiciones colectivas principales: Más grande que la vida - más extraña que la ficción, Stadt Fellbach Kulturamt, Fellbach (2010); Maestro Sustituto, Centro de Arte Contemporáneo de Atlanta (2010); Todas las criaturas grandes y pequeñas, Zacheta
Horario: lunes a viernes de 09:00 a 17:30

El Hospicio San Lázaro fue construido por los jesuitas a mediados del siglo XVIII. Tuvo un uso conventual y de hospicio.

Su obra: Patio Hospital Psiquiátrico San Lázaro

Descripción de la obra

Se llama glosolalia a un estado extático que se alcanza en algunas religiones, en el que los creyentes profieren palabras sin sentido aparente, que se consideran una comunicación con la deidad. El artista ha reproducido aquí escritos “glosolálicos”, es decir, incomprensibles, entresacados de los textos del escritor y teatrista francés Antonin Artaud (1896-1948), quien llevó el lenguaje a los límites de su capacidad de significar y estuvo internado en una clínica mental. El hospital siquiátrico resulta la ubicación perfecta para este homenaje a Artaud, provocando reflexiones acerca de las fronteras entre irracionalidad y razón, entre significados establecidos y significados “otros”, acerca de la imposibilidad de traducir... en fin, explorando las dimensiones expresivas y las fronteras del lenguaje. Como dice Téllez, los pendones están allí para ser “leídos”, para actuar a manera de puertas abiertas hacia otros sentidos.

Comentario

El artista aquí cuenta en su obra como unan experiencia propia, después de haber sentido la locura en carne propia plasma sus pensamientos sin sentido en las telas blancas. Es así como el habla de las personas que se encuentran en estos sitios, quienes pierden el sentido de la vida al estar encerrados en cuatro paredes.