Esta es un fotografía de El Niño Dios original, de donde se tomó su forma para realizar las diferentes réplicas.
Descripción de la obra
La intervención de Alvear ha integrado en forma activa a los inquilinos del patio, creando una interfaz entre arte contemporáneo, artesanía y cultura popular. A la vez, ha roto el orden del paisaje del Centro Histórico con la magnificación de una imagen propia de la estética del lugar.
El patio de los pecadores
Intervención específica con inflable y actividades con los artesanos del lugar, 2010
El artista ha diseñado un gigantesco inflable con la imagen de El Niño Dios, un ícono de la religiosidad popular. El inflable fue bendecido por un sacerdote, siguiendo los ritos tradicionales. Funcionará como una atracción publicitaria para los artesanos que prestan sus servicios en el patio, que fue bautizado por ellos con el nombre que da título a la obra. También se “clonaron” (un procedimiento de reproducción exacta de pinturas que practica otro de los artesanos) las obras más valiosas de cinco artistas ecuatorianos vivos, las que se pusieron en venta, etc.
Esta obra se encuentra en un sitio reducido, rodeado de pequeñas piezas con un mismo sentido, la figura de El Divino Niño llama la atención a sus visitantes por su exótica presentación, que rompe totalmente modelos pasados, al conocer la intención del autor todo queda más claro y es que este lugar se ha encontrado siempre en el centro histórico, pero pocos conocen a quienes laboran en su interior. El autor quiteño destaca a estos expertos en la fabricación de esculturas y fotografías, a través de esta enorme figura que parecería no ser la verdadera obra.
La figura de El Divino Niño está siendo usada como apoyo para la verdadera obra, echa por los mismo artesanos que siempre han laborado ahí, después de sentirnos atraídos por la “escultura inflable” la mirada desciende hacia las paredes y es aquí cuando empezará el espectáculo, cumpliéndose así el objetivo del autor, que es resaltar el trabajo que estas personas ha realizado por muchos años, después de analizar la decoración alrededor del patio es inevitable querer conocer el resto de talleres y a los artesanos que ahí se encuentran, esperando ser recordados y visitados por su sacrificada labor.
MAGDALENA ATRIA
No te veré morir
Vive y trabaja en Santiago de Chile. Estudió en la Universidad Católica de Chile y en Parsons School of Design, Nueva York. Muestras individuales en Santiago: Sala Gasco (2009), Galería Gabriela Mistral (bipersonal, 2004), Galería Animal (2004) y Galería Bech (2000); en Nueva York en la Galería George Billis (1999 y 2001). Exposiciones colectivas principales: MOCA, Los Ángeles (2007); VI Bienal del Mercosur, Porto Alegre (2007); Chateau de Tours (2007); Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago (2006); Museo de Arte Contemporáneo, Museo Casa de Sucre. Construida en 1812, se restauró en 1977. Fue vivienda del mariscal José Antonio de Sucre, quien residió en ella después de su matrimonio con Mariana Carcelén, marquesa de Solanda.
Su obra: Intervención específica con plastilina, 2010
Museo Casa de Sucre. Construida en 1812, se restauró en 1977. Fue vivienda del mariscal José Antonio de Sucre, quien residió en ella después de su matrimonio con Mariana Carcelén, marquesa de Solanda.
La artista se ha inspirado en la muerte de la única hija de Sucre, quien a la edad de dos años cayó desde el balcón de esta casa. Cuando ocurrió esta tragedia el mariscal ya había fallecido, por lo que quedó sin descendencia. Atria usa metafóricamente el carácter vulnerable y perecedero de la plastilina –que la artista trabaja con gran oficio en forma abstracta— para pintar con ella una gran mancha que cae desde el segundo piso, pasando por el balcón, como una alusión y estatización del hecho. De este modo la tragedia se transforma en imagen y la imagen en desplazamiento artístico de las formas y contenidos historicistas tradicionales del Museo
La artista Chilena plasma aquí uno de las acontecimientos más tristes en la historia de Sucre, a pesar de que él ya había muerto. El uso de la plastilina identifica lo sensible y frágil de los segundos que tardó el cuerpo de su hija en llegar a la tierra, construye un camino insinuando la altura que descendió antes de morir. El uso de colores ha sido clave en la intención de la obra realizada por Magdalena Atria, quien mezcla tonos para formar una alucinante trayectoria conjugada con la historia de este museo, parecería darle un significado a cada color, desde que inicia la caída hasta que termina. El rosado, por ejemplo, refleja la inocente espera del inevitable momento, pasa a una tonalidad roja, que seria el momento de desenfrenada impotencia y la acumulación de sangre en ciertas partes de cuerpo, el púrpura el momento de shock que llega al verde, el camino natural a otro mundo y finalmente el azul celeste que indica que ha llegado a las puertas de cielo.
Pablo Cardoso (Cuenca, 1965)
Nació en Cuenca en 1965, donde vive y trabaja. Ha participado en las Bienales de: Venecia (2007); Sao Paulo (2004); Gwangju (2004); la Habana (1991); Cuenca (1989, 1996, 2001). Ha exhibido en The (S) Files 007 y El Museo del Barrio, Nueva York (2007). En 2007 obtuvo la beca CIFO Comissions Program (Mid-Career) y en 2005 obtuvo la beca Pollock-Krassner.
Su obra: Patio Casa Carrasco Oña
Descripción de la obra
El poeta francés Henri Michaux vivió y escribió en esta casa durante un viaje a Ecuador. Cardoso ha reproducido en el suelo de los patios algunos de sus versos, y ha hecho correr el agua por los desagües de modo que caiga sobre ellos, diluyéndolos en su materialidad por el choque del líquido. De este modo ha tomado una memoria poética de la casa y la ha unido al carácter de intemperie, de humedad y frescor propios del patio desde tiempos de Roma. La intervención es también una obra de deleite sonoro, que desarrolla el murmullo de las fuentes típico de los patios, en la tradición árabe. Y es también una experiencia casi mágica, que parece activar los misterios domésticos del lugar.
En la entrada de este patio el primer atractivo es la glorieta que cuenta una historia tradicional del centro histórico, el poeta Henri Michaux, después de su llegada a Ecuador relaciona el bello paisaje asi como el lado cruel de la historia Ecuatoriana, en la primera area de la casa encontramos la frase “ Para entrar en esta ciudad, primero tuvimos que pagar el tributo del rostro”. Que hace referencia al momento en el que cambia la imagen de este pequeño país cuando se conoce por sus asombrosos paisajes, también tiene un doble sentido cuando la viveza de las personas ecuatorianas despierta cuando miran una persona extranjera y asumen que el costo de cualquier cosa debe ser maximizado, es algo conocido como “a precio de turista”.
Mona Hatoum (Londres/París, 1952)
Nació en el seno de una familia palestina en Beirut en 1952. Vive y trabaja en Londres y Berlín. Algunas de sus muestras individuales: Fondazione Querini Stampalia, Venecia (2009); Museum of Contemporary Art, Sydney (2005); Magasin 3, Estocolmo (2004); Hamburger Kunsthalle (2005); Kunstmuseum Bonn (2005); Tate Britain, Londres (2000); Centre Pompidou, París (1994). Entre sus exposiciones colectivas: Cuadrienal de Arte Contemporáneo, Copenhague (2008); Tercera Trienal de Auckland (2007); Bienal de Sydney (2006); Documenta XI, Kassel (2002); Bienal de Venecia (1995 y 2005); Turner Prize (1995); Bienal de Estambul (1995).
Su obra: Patio Museo Miguel de Santiago, Convento de San Agustín
Hanging Garden (Jardín colgante)
Instalación. Sacos de yute, tierra y hierba, 2008 – 2010
A lo largo de su carrera ha creado obras de apariencia simple para activar comentarios agudos y sobrecogedores acerca de la opresión, la violencia, el control y otros temas candentes. Su trabajo mezcla las esferas pública y privada y las dimensiones social y subjetiva, haciéndonos tomar conciencia de la intrincada red de relaciones de poder en que se desenvuelven nuestras vidas. Sus instalaciones y esculturas dislocan las funciones originales de objetos cotidianos de modo a la vez poético y perturbador, descubriendo la violencia subyacente. En su obra aquí ocurre el proceso contrario: de la barricada militar –que interrumpe el acceso a un patio emblemático en la historia de Ecuador— brota la hierba, la vida en vez de la muerte, deviniendo un jardín colgante.
Comentario
Acorde a la intención del autor, se manifiestan diferentes criterios por la sencillez del aspecto de la obra y por los multiples razonamientos que esta inspira. Esta artista pone en primer plano la guerra simbolizado con los costales que hacen las veces de muralla de protección, del otro lado encontramos un hermoso paisaje que parecería estar bloqueado por los costales, aquí su autor expresa lo que las personas en la guerra perderan por continuar la violencia, dejarían de ver tantos paisajes y se perderían lo hermoso de la vida, otro análisis de esta obra se centra a la reencarnación, la vida después de la muerte simulada con las hiervas encerradas pero aun brotando a pesar de su clausura. Podría dar una idea de una segunda oportunidad para que en la vida futura fabriquemos un paraíso que esté a nuestro alcance.
CRISTINA LUCAS
Alicia de Quito.
Nació en Jaén en 1973. Vive y trabaja entre Madrid y París. Estudió en la Universidad Complutense de Madrid e hizo un máster en la Universidad de California Irvine. Fue residente en la Rijksakademie, Amsterdam. Algunas de sus muestras individuales: Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid (2009); Stedelijk Museum, Holanda (2008). Tiene obra en las colecciones de: Centre Georges Pompidou, París; Kiasma, Helsinki, y MUSAC, León. Entre sus muestras colectivas: X Bienal de La Habana (2009); XXVIII Bienal de São Paulo (2008); Centro Cultural Monte Hermoso, Vitoria (2008); X Bienal de Estambul (2007).
La Ronda es una callejuela que da nombre a una zona ubicada al sur de la Plaza Grande. Fue usada como ruta prehispánica para descender a la Ullaguanga Yacu, o quebrada de Jerusalén, donde ahora está la Avenida 24 de Mayo
Su obra: Casa de las Artes La Ronda
La obra retoma un pasaje de Alicia en el país de las maravillas, el libro de Lewis Carrol, en el que la protagonista crece hasta no caber en la habitación, y saca un brazo por una ventana. La artista lleva a un espacio real la inquietante fantasía de Carrol, en una obra que alude además al enclaustramiento de la mujer en el edén doméstico del patio. Es una imagen seductora, poderosa y con muchas reverberaciones locales: Alicia atrapada en La Ronda.
Por lo acogedor y pequeño del sitio, la obra esta representando el conocido cuento de Alicia en el país de las maravillas, debido a lo colonial de la Ronda, lo clásico y además lo doméstico, llega de manera imponente este brazo que crece y sale de la ventana. La ronda es una calle pequeña que ha sido restaurada hace poco tiempo, esta tiene un gran atractivo turístico por la historia que guarda cada casa y cada negocio, a pesar de existir muchas construcciones a lo largo de esta pequeña calle, estas son de reducido espacio, después de conocer una de las casas por dentro cambia la idea que refleja por fuera, ya que por dentro el espacio se amplia sin explicación. Las mujeres que aquí laboran son el claro ejemplo del fin de una era, en la que la mujer se limitaba a cuidar la familia.
RUBENS MANO
Cosecha
Rubens Mano. Nació en São Paulo en 1960, donde vive y trabaja. Ha tenido recientemente muestras individuales en la Galería Casa Triángulo y la Pinacoteca del Estado, ambas en São Paulo. Algunas de sus exposiciones colectivas: XXV y XXVIII Bienales de São Paulo (2002 y 2008); Bienal de Sydney (2004); in Site, Tijuana/San Diego (2005).
Horario: martes, miércoles y domingo de 09:00 a 18:00, jueves , viernes y sábado de 09:00 a 22:00
El Patio del Museo Municipal Alberto Mena Caamaño fue el Cuartel Real. El edificio presumiblemente se construyó entre 1650 y 1767, formó parte de las instalaciones de la Compañía de Jesús. Al ser expulsados los jesuitas, sus bienes quedaron bajo la Administración de Temporalidades.
Su obra: Patio del Museo Municipal Alberto Mena Caamaño
Intervención: arena, picota, macetas, árboles y plantas, 2010
El artista trabaja con los lugares y los espacios mismos, mediante intervenciones que a menudo, como en este caso, re-utilizan y desplazan elementos existentes en el sitio. Articula así una práctica que hace de la institución misma que la acoge su material de trabajo, proponiendo nuevas estrategias para usar y explicar el lugar. En este patio de gran importancia histórica Mano ha eliminado la jardinería alrededor de la picota que allí se exhibe, resaltándola, y ha trasladado las plantas a otro cantero, que queda sobrepoblado de vegetación. Se transforma así la percepción establecida de un lugar “inmóvil”, provocando una mirada nueva sobre el patio y sus cargas emblemáticas.
Comentario
Aquí se simboliza la unión que pudo existir entre las personas, la armonía habría impedido que tanta sangre se derrama de manera injusta y exagerada, esto es lo que el autor simboliza en el patio que esta junto a las plantas que fueron traídas de todo el país y fueron puestas en un mismo lugar, el patio del frente tiene piedras rosadas y posa aquí la picota donde se llevaron a cabo los peores sacrificios de la historia. El mensaje es claro para todo el mundo quienes deben empezar a controlar la ira para entrar en el dialogo y solucionar las cosas sin necesidad de sacrificar personas.
LARISA MARANGONI
Nació en Guayaquil en 1967, donde vive y trabaja. Máster en salud pública, Universidad Católica, Guayaquil (2009), máster en Bellas Artes, grado en escultura, Syracuse University (1993). Exposiciones individuales: Yo sí me he mirado, FLACSO, Quito (2008); Mi espacio vacío, Universidad Católica de Guayaquil (2006); Jardín cerrado con alcoba al fondo, Galería DPM, Guayaquil (2005); Armas de Guerra, Centro Cultural Metropolitano, Quito (2002). Exposiciones colectivas: Mishqui Public, la no invitación a misa de réquiem, Plaza de San Francisco, Quito (2008); Arquetipos, MAAC, Guayaquil (2008); Universal Wall, Suiza (2007); Espacios Mínimos, Alianza Francesa, Quito (2007); Lo que las imágenes quieren, Fundación ICO, Madrid (2007)
Su obra: Patio Cadisan, Secretaría General de Coordinación Territorial y Participación.
Descripción de la obra
El elemento principal de este patio es una magnolia patrimonial. Incorporándola en su obra enfrentada a un espejo que la refleja como un árbol talado, la artista comenta la desaparición de las magnolias en Quito y, en general, la deforestación de las ciudades contemporáneas. Su espectacular alegato ecológico nos introduce metafórica y visualmente en el problema: al otro lado del espejo, un texto reflectante captura nuestra imagen y parece responsabilizarnos a todos con un problema global que a todos afecta e involucra.
Comentario
Larisa plasma una idea que relaciona lo natural que nos rodea, es precisamente en este patio donde se encuentra un conjunto de plantas, junto a todo esto un pequeño texto que nos hace reflexionar sobre la conservación del medio ambiente, después de haber nombrado patrimonio nacional a un árbol éste ha sido protegido por el nombre que se le ha dado, pero ¿es necesario que un árbol sea nombrado patrimonio para que no sea maltratado?, el espejo sobre el que ha sido montada la obra nos refleja ahí mismo para darnos cuenta de quienes son los protagonistas del cuidado o la destrucción del medio ambiente.
PRISCILLA MONGE
El patio de los milagros
Nació en 1968 en San José, Costa Rica, donde vive y trabaja. Entre sus muestras individuales: Museo de Arte Costarricense, San José (2002); Museo Rufino Tamayo, México DF (2000); Museum Van Heddedaagse Kunst, Gante (1997). Algunas de sus exposiciones colectivas: Nuit Blanche, París (2009); Liverpool Biennial International (2006); Bienal de Sevilla (2004); PS1, Nueva York (2003); XLIX Bienal de Venecia (2001); Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2001); XXIV Bienal de São Paulo (1998); VI Bienal de La Habana (1997); Bienal de Valparaíso (1994).
Horario: martes a domingo de 10:00 a 18:00
La Casa del Higo fue construida a fines del siglo XVIII e inicios del XIX, y pertenece hoy a la familia Recalde Mora. Se distingue por la higuera patrimonial en su patio, un árbol que era característico de los patios coloniales y republicanos en Quito.
Su obra: Patio Casa del Higo
Una creencia popular afirma que el higo favorece la fertilidad, pero si se toma en exceso funciona como abortivo. La artista se ha inspirado en esta contradicción del fruto, que contiene una frontera entre la vida y la muerte, y en otra creencia popular sobre una banca en el Convento de Santa Catalina de Siena, que brinda fertilidad a quien en ella se sienta. Monge ha construido dos bancas enfrentadas junto a la higuera patrimonial que da nombre al patio: una con un texto alusivo a la vida, otra con uno que refiere a la muerte. Siguiendo su interés artístico en los problemas femeninos y la violencia en la vida cotidiana, ha propuesto aquí una nueva leyenda: quien se siente en la banca de la vida quedará embarazada, quien en la otra, abortará.
Comentario
En este patio se desarrollo una historia que tiene como personaje principal el árbol de higos que crece ya desde hace muchos años, el higo era usado para que las mujeres sean fértiles, pero se decía también que cuando se excedían tomando el agua de higo este resultaba ser abortivo, entonces se construyen dos bancas que tienen intensiones opuestas, la primera seria para concebir, y la segunda para abortar, aquí se relacionan los dos conceptos y la decoración en el árbol hace referencia a lo complicado de cada situación. El color amarillo refleja el sol o la iluminación que aparece al momento en que se concibe.
JORGE PERIANES
Nació en Ourense en 1974. Reside en Vigo y Berlín. Tiene una licenciatura y estudios de doctorado en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. Entre sus muestras individuales: Galería Ad Hoc Vigo, Pontevedra (2009); Fundación Eugenio Granell, Espazo In Situ, Santiago de Compostela (2009); Galería Fúcares, Sala de Proyectos, Madrid (2006). Algunas exposiciones colectivas: Centro Cultural Caixanova, Pontevedra (2009); MARCO, Vigo (2008); Hot Art Fair Basel (2008); Sala Alcalá 31, Madrid (2008). Premios y Becas de Arte Caja Madrid y Santander (2005). Tiene obra en las colecciones de MUSAC, León; CGAC, Santiago de Compostela, y Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, Madrid.
Su obra: Patio de la Biblioteca Centro Cultural Metropolitano
Los patios son pedazos de naturaleza viva metidos dentro de las casas. La gigantesca telaraña hecha por el artista hiperboliza la presencia, a menudo inadvertida, de esos otros “inquilinos” que habitan los patios. La espectacularidad de la obra transforma un lugar público y sorprende a quienes lo transitan, cambiando la rutina establecida por un choque estético, dejándolos con preguntas, misterios y fantasías. Esta telaraña no nos atrapa por su invisibilidad, según ocurre a los insectos con las telarañas reales, sino por su exceso de visibilidad, por su exuberancia enigmática.
Comentario
En este patio el autor piensa en la naturaleza que no merece ser modificada por la mano del hombre, lo natural es siempre lo esencial para existe una unión y armonía entre la gente, la telaraña hecha para unir dos grandes árboles, simbolizando asi la conservación del medio ambiente, sin querer perjudicar el paisaje esta telaraña expresa la gran importancia que tiene la naturaleza.
JAVIER TÉLLEZ
Intervención: banderas con textos glosolálicos de Antonin Artaud , 2010
Nació en Valencia, Venezuela en 1969. Actualmente se encuentra en una residencia para artistas en Berlín. Muestras individuales: Galería de Arte Govett-Brewster, New Plymouth (2009); Baselland Kunsthaus, Muttenz, Basilea (2009); Figge von Rosen Galerie, Colonia (2009); Museo de Arte de Joliette (2009); Museo Carrillo Gil, México DF (2004). Exposiciones colectivas principales: Más grande que la vida - más extraña que la ficción, Stadt Fellbach Kulturamt, Fellbach (2010); Maestro Sustituto, Centro de Arte Contemporáneo de Atlanta (2010); Todas las criaturas grandes y pequeñas, Zacheta
Horario: lunes a viernes de 09:00 a 17:30
El Hospicio San Lázaro fue construido por los jesuitas a mediados del siglo XVIII. Tuvo un uso conventual y de hospicio.
Su obra: Patio Hospital Psiquiátrico San Lázaro
Descripción de la obra
Se llama glosolalia a un estado extático que se alcanza en algunas religiones, en el que los creyentes profieren palabras sin sentido aparente, que se consideran una comunicación con la deidad. El artista ha reproducido aquí escritos “glosolálicos”, es decir, incomprensibles, entresacados de los textos del escritor y teatrista francés Antonin Artaud (1896-1948), quien llevó el lenguaje a los límites de su capacidad de significar y estuvo internado en una clínica mental. El hospital siquiátrico resulta la ubicación perfecta para este homenaje a Artaud, provocando reflexiones acerca de las fronteras entre irracionalidad y razón, entre significados establecidos y significados “otros”, acerca de la imposibilidad de traducir... en fin, explorando las dimensiones expresivas y las fronteras del lenguaje. Como dice Téllez, los pendones están allí para ser “leídos”, para actuar a manera de puertas abiertas hacia otros sentidos.
Comentario
El artista aquí cuenta en su obra como unan experiencia propia, después de haber sentido la locura en carne propia plasma sus pensamientos sin sentido en las telas blancas. Es así como el habla de las personas que se encuentran en estos sitios, quienes pierden el sentido de la vida al estar encerrados en cuatro paredes.
